La huella femenina en la historia del 'jazz'
Presentamos algunas de las mujeres que se abrieron paso en el mundo del 'jazz'. Cantantes, integrantes de bandas e instrumentistas marcaron un antes y un después, convirtiéndose en referentes del género
La charla 'Mujeres en el jazz' se realizó con motivo de la décimo octava edición del Panamá Jazz Festival. La presentación fue dirigida por Sahara González, profesora del programa Creativo Musical Infantil de la Fundación Danilo Pérez.
Durante la cita se abordaron los factores que dificultaron el desarrollo de las mujeres en el jazz como músicas profesionales.
En medio de segregaciones sociales, un círculo dominado por hombres y la elección no tradicional para ejercer discriminación, la exclusión del derecho al voto, la falta de igualdad en la educación, la carencia de igualdad salarial, las escasas oportunidades y la vestimenta, fueron algunas de las barreras a las que se tuvieron que enfrentar las mujeres históricamente.
Según datos recabados de la Organización de las Naciones Unidas (ONU), la división de género en la música es 70% hombres y 30% mujeres.
De acuerdo con González, las mujeres han sido parte fundamental en la transmisión de la comunicación y en la permanencia de las historias a través de cuentos y canciones. “Los primeros registros que se tienen sobre la participación de hombres y mujeres son las manifestaciones de la música de los esclavos alrededor de 1770, iniciando con las canciones de trabajo. También interpretaban otras en las que honraban sus creencias religiosas, estas eran las canciones espirituales”, arguye.
Un ejemplo es 'Roll, Jordan, Roll' , interpretada por esclavos afroamericanos. En muchas ocasiones, estas canciones eran utilizadas para enviar mensajes escondidos y no llevaban instrumentación. La película 12 años de esclavitud muestra este cántico en una de sus escenas.
Vocalistas
“Con el paso del tiempo el blues tuvo su influencia con los gritos de campo, cotton field holler, parecido en las cadencias, el fraseo, entre otros. Este género musical hace referencia a la melancolía y fue creado para expresar opiniones o el sentir individual”, expuso la docente, quien agregó que luego de la esclavitud aparecieron grupos vocales mixtos y también espectáculos itinerantes en los cuales la mujer empezó a tener presencia en los escenarios con un protagonismo mayor, pero solamente como cantante.
Entre ellas se encuentra Gertrude Ma Rainey, conocida como 'la madre del blues', y pese a todas las opresiones que había en el siglo XX, en Estados Unidos, se posicionó en este género musical.
Ma Rainey logró marcar la diferencia con un estilo único debido a que unió el vodevil, el blues y el folk negro del sur. Esta cualidad fue más allá de los escenarios, tanto así que marcó su forma de vestir y utilizaba dientes de oro.
Para la década de 1910, Ma Rainey salía de gira con los circos, donde actuaba junto a comediantes y malabaristas, fue ahí donde forjó su línea musical. Su popularidad se afianzó por el surgimiento de este género y las discográficas en la década de 1920.
Por eso desde 1923 hasta 1928 grabó más de 90 canciones. Las más famosas fueron 'Bo Weavil Blues' y 'Moonshine Blues'.
Su faceta no solo quedó como intérprete, sino que también se destacó como compositora; redactó más de 38 canciones. Ma Rainey fue resignificada en los años 60 con los movimientos de liberación.
Otras de las cantantes que logró destacar fue Bessie Smith, conocida como la “Emperatriz del jazz”. Con solo nueve años, Ma Rainey descubrió a Smith y tomó su tutela. Varios años después la llevó de gira por varios países.
A los 24 años grabó su primer sencillo denominado 'Dowhearted Blues' y en seis meses consiguió vender 780 millones de copias; dicho tema fue compuesto por Alberta Hunter.
Smith, en la década de 1920 llegó a convertirse en la mejor pagada de los blues clásicos. Su éxito en los escenarios la impulsó a grabar con los artistas más importantes de su época, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith, entre otros.
Bandas
A finales de los años 20 inicia un fenómeno citado como 'The Old Woman Band'; dicho movimiento adquirió fuerza en los años 30 y 40. En ese lapso aparecieron agrupaciones como 'The Ingenues', una banda originaria de Chicago, formada por mujeres que realizaron conciertos en Estados Unidos y otras naciones por un periodo de 12 años, desde 1925 a 1937, dirigida por William Morris.
Este colectivo actuaba con frecuencia para teatros de variedades y casas de pinturas. Se especializaron en jazz, obras clásicas ligeras y fueron aclamadas por su versatilidad, ya que la mayoría utilizaba diversos instrumentos.
Sus melodías traspasaron fronteras llegando a Europa, Sudáfrica, Australia y Brasil. De igual manera aparecieron en cortometrajes en 1928 y 1937.
Otras de las agrupaciones que se suma a la lista es 'Ina Rae Hutton's Melodears'. Una historia que empezó gracias a Odessa Cowan, conocida como 'Ina Ray Hutton', nacida en Chicago, Illinois. Su madre, Marvel Ray, era pianista y artista local. A los ocho años bailaba y cantaba sobre el escenario en revistas. Estudió en la Hyde Park Career Academy de South Side (Chicago).
En los años 30 actuó en el circuito de Broadway, y en 1934 le solicitaron ser la cantante de una orquesta femenina, 'Melodears', en la cual trabajaban diversas intérpretes, entre ellas la trompetista Frances Klein.
Esta fue una de las bandas femeninas más destacadas de la época y la primera en ser grabada. Rodaron varios cortometrajes para la Paramount. Ina Ray Hutton era la cantante y líder del grupo. En 1939 el colectivo se desintegró y Ray siguió su carrera como vocalista con otra banda.
A la lista se adiciona 'The International Sweethearts of Rhythm', una banda integrada por mujeres en Estados Unidos. Durante la década de 1940, la agrupación contó con algunas de las mejores músicas del momento.
Las integrantes de la banda se conocieron en una escuela para personas pobres y afroamericanos en Misisipi, en 1938; la visión era desarrollar una banda de solo mujeres inspirada en 'Ina Rae Hutton's Melodears'.
El grupo estuvo formado por latinas, caucásicas, chinas, indias; de esta manera hicieron valer la palabra international que aparecía en el nombre del colectivo.
La agrupación femenina tocó swing y jazz en un circuito nacional en teatros que incluyó la ciudad de Nueva York, Chicago y Washington, D.C. Después de una actuación en Chicago, en 1943, el Chicago Defender publicó que la banda era “la agrupación femenina más destacada y probablemente la mejor de la era de las big band”.
La profesora González aportó que pese a ser un grupo famoso en Estados Unidos, cuando viajaban al sur todas dormían y comían en el mismo autobús en el que viajaban debido a las leyes de segregación racial en esa zona que les impedían permanecer juntas al momento de entrar a restaurantes.
“Durante la Segunda Guerra Mundial hubo una ola de cartas que llegaron por parte de los soldados solicitándolas, y fue entonces, cuando emprendieron un viaje por Francia, Alemania, en 1945, siendo así la primera banda de mujeres negras en viajar con la United Service Organization (USO), una organización sin ánimo de lucro que provee servicios recreacionales y morales a los miembros de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos por todo el mundo”, manifestó.
El hecho es que factores como el matrimonio, la edad, la preparación académica y no recibir la paga suficiente fueron algunos de los motivos que llevaron a la desintegración de la banda que se disolvió en 1949.
Durante los movimientos feministas de las décadas de 1960 y 1970 en Estados Unidos, 'International Sweethearts of Rhythm' se hizo popular entre escritoras y musicólogas feministas que se propusieron cambiar el discurso sobre la historia del jazz para incluir tanto a hombres como a mujeres.
Instrumentistas
Lillian Hardin fue una pianista de jazz estadounidense, además de compositora, arreglista y cantante de swing.
Hardin perteneció a la 'New Orleans Creole Jazz Band', y 'King Oliver's Jazz Band'. En la década de 1930, lideró dos grupos de mujeres, uno de ellos era 'The Harlem Harlicans' que está considerada la primera banda de swing íntegramente femenina.
En la historia de las instrumentistas sobresalientes se encuentra Mary Lou William, quien fue pianista, compositora, vocalista y educadora nacida en Atlanta, en 1910.
A lo largo de su carrera grabó y escribió más de 100 composiciones, algunas para artistas como: Duke Ellington y Benny Goodman.
William fue mentora y profesora de Thelonious Monk. Charlie Parker, Miles Davis, entre otros. Desde 1996, el Kennedy Center en Washington D.C. celebra anualmente el 'Mary Lou Williams Women in Jazz Festival'.
En la lista también se encuentra Melba Liston, quien fue la primera trombonista en tocar con una big band, en los años 40. Entró en la banda del 'Lincoln Theater', para la que comenzó a componer y hacer arreglos. Gracias a su talento tuvo una carrera fructífera como trombonista, compositora y arreglista. Formó parte de la banda de 'Dizzy Gillespie', y acompañó a Billie Holiday. En 1958 publicó su único disco como solista llamado 'Melba Liston and Her's Bones'.
Las carreras de estas mujeres que se desempeñaron en el jazz en los años 20, 30 y 40 han sido un pilar fundamental para que las nuevas generaciones sigan llevando un mensaje de lucha y empoderamiento femenino.
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